Exposiciones Virtuales
A través de una exposición virtual, los artistas tienen la posibilidad de mostrar su trabajo de una manera innovadora, adaptada a las necesidades de un mundo cada vez más digitalizado.
24 MIRADAS EN BLANCO Y NEGRO
Introducción de la Exposición
La fotografía abstracta nos invita a mirar más allá de lo evidente, a explorar formas, texturas y contrastes que trascienden la representación figurativa. No se trata de capturar la realidad tal como la vemos, sino de reinterpretarla, fragmentarla y reconfigurarla a través de la luz, la sombra y la composición. En este contexto, la fotografía en blanco y negro ocupa un lugar especial. Al eliminar el color, se potencia la pureza de la imagen, obligando al espectador a enfocarse en los elementos esenciales: el juego entre luces y sombras, la textura, la escala de grises, los volúmenes y la atmósfera. Sin la distracción del color, la imagen adquiere una fuerza expresiva que puede ser sutil o dramática, etérea o contundente, pero siempre intensa.
“24 Miradas en Blanco y Negro" es un proyecto que busca reunir a 24 fotógrafos de distintas partes del mundo en una exploración visual de la abstracción. Cada imagen es una interpretación personal de cómo la luz moldea la realidad, revelando estructuras invisibles, espacios sugeridos y emociones implícitas en el contraste entre lo luminoso y lo oscuro. A través de este proyecto, la fotografía abstracta en blanco y negro, invita al espectador a cuestionar y a reflexionar. Curadora: Eliana S. Olea Lorenzoni
Artista: Ana Teruel - España
Nombre: Sin Nombre
Descripción: Buscando más allá de lo cotidiano no solo hay que mirar, sino saber ver la cotidianidad de nuestra vida.
Artista: Carina Levin – Argentina
Nombre: En Tierra
Descripción: Fotografía de la serie "Abstractos en foto" reversión y miradas monocromáticas de Fotografías de mi autoría de diferentes objetos o espacios. Abrir el corazón para disfrutar de una visión diferente.
Artista: Cecilia Richardson - Ecuador
Nombre: Timidez de la corona
Descripción: Esta imagen es parte de mi proyecto llamado Expansión. Este proyecto surge de largos periodos de contemplación en la naturaleza. Al conectar con el mundo natural, siento entrar en estados mentales que registran sentimientos de plenitud. Con esta imagen busco transmitir esta experiencia sensorial.
Artista: Roger Mujica
Nombre: "Hilos de vida"
Descripción: Una danza intrincada de luz y sombra, "Hilos de Vida" captura las fuerzas delicadas pero poderosas que dan forma a la existencia. Las formas entrelazadas evocan fibras orgánicas, simbolizando la fragilidad y la resistencia de la naturaleza y la experiencia humana. Como venas que transportan la esencia de la vida o raíces que nos anclan a la tierra, la imagen invita a la contemplación sobre las conexiones invisibles que nos unen. A través de la abstracción, revela la belleza de la impermanencia, la transformación y la energía silenciosa que fluye a través de cada ser vivo.
Artista: Cristina Peralta Fuentes- España
Nombre: "Bull texture"
Descripción: La belleza, la ternura y como impone su presencia. Representa mis orígenes y la bravura.
Artista: CHUS RECIO España
Nombre: Esencia del vuelo
Descripción: “No hay trazo más exacto que el de lo que huye.Y sin embargo, aquí estás: ave suspendida en un tiempo que no es el tuyo ni el mío. Murmullo de alas dibujando el aire, vibración del deseo de volar.
La forma apenas se atreve a insinuarse, como si el cuerpo fuera ya pasado, ya promesa, ya fuga. Hay luz y hay movimiento, pero sin destino. Solo el estallido lento de algo que deja rastro sin dejar figura. Estela de un alma saliendo del mundo.
Artista: Eisa- - España
Nombre: Simbiosis
Descripción: Que harían las luces y las sombras la una sin la otra.... Ambas se complementan en una simbiosis perfecta.
Artista: José Santiago Díaz Lorenzo- España
Nombre: Geometría del Socorro. Lugar: Iglesia del Socorro, Breña Baja, La Palma (Canarias)
Descripción: Una cruz, un muro, una grieta: tres elementos que dialogan en silencio. La composición reduce la fe a formas esenciales, donde el negro y el blanco son también luz y sombra. La geometría de lo sagrado se vuelve abstracta, pero profundamente humana
Artista: José Conceptes - España
Nombre: Zebra I
Descripción: Fotografía en blanco y negro que, acercándose a la abstracción, captura un vibrante juego de luces y sombras que remeda las rayas de una cebra. La proyección de la luz sobre la estructura crea bandas rítmicas que transforman la imagen, una composición que muta continuamente según la posición del sol.
Artista: Susie Castellano- Ecuador
Nombre: “Ondas de sombra”
Descripción: "Ondas de sombra" se adentra en la abstracción al representar cómo la luz y la sombra fluyen, se entrelazan y se expanden en el espacio. Las sombras, como ondas que se despliegan, se convierten en elementos dinámicos, donde la luz no solo las define, sino que las amplifica, creando un juego deformas en constante movimiento. Este flujo de luz y sombra resalta las texturas y la atmósfera de la pieza, desdibujando los límites entre lo visible y lo invisible.
Artista: Patricia Cruz Araneda - Chile
Nombre: Nacimiento
Descripción: Espiral de esperanza en blanco y negro. Las intrincadas texturas de la joven hoja de helecho se revelan en su lento desenvolvimiento, una promesa de la forma que está por venir.
Artista: Daniela Beraldi -Argentina/ España
Nombre: Constelación de Sombras
Descripción: Estas estructuras esféricas forman una escena casi cósmica. Las formas geométricas y sus sombras proyectadas crean un paisaje visual que recuerda a una constelación suspendid.
Artista: Christian Crecente González Argentina/ España
Nombre: Estructura Fragmentada
Descripción: Las formas geométricas se fragmentan y entrelazan en una composición que roza lo escultórico. La estructura parece ejecutar una coreografía precisa, donde el equilibrio entre el orden y el caos se convierte en el verdadero protagonista visual.
Artista: Liset Gutiérrez Cruz - Cuba
Nombre: Ascenso
Descripción: Una figura abstracta en blanco y negro que evoca tensión visual y fluidez al mismo tiempo. La composición está formada por una malla cuadriculada, cuyos trazos varían en grosor, creando una sensación de movimiento, como si la estructura estuviera viva o distorsionada por una fuerza invisible. Las líneas, aunque nacen de una lógica geométrica, se deforman en patrones orgánicos, casi musculares, dando la ilusión de un cuerpo que respira o una superficie que vibra.
Artista: Fernanda Patiño- Colombia
Nombre: Jacques in 1971
Descripción: Inspirada en el film "Cuatro noches de un soñador" (1971 de Robert Bresson), la escena, es una visión personal de la fachada exterior del apartamento de Jacques. El protagonista, es un joven caminante de la ciudad, que se refugia en la pintura sobrellevando la soledad.
Durante la cuarta noche de ilusión con Marthe, Jacques regresa a pintar luego de la decepción que le dejó su amante.
El espacio y su fachada, es una copia exacta entre el compilado serial de espacios ocupados por muchas otras personas en una vecindad vertical... y ese refugio es su hábitat en la ciudad.
Artista: Lilly Santos -Brasil
Nombre: Marcada por el tiempo
Descripción: En esta imagen, la piel de mi abuelo, marcada por el tiempo, dialoga con la naturaleza. Cada arruga es un camino vivido, un recuerdo latente. Parte de la serie Paridade, esta fotografía revela la belleza del tiempo en su estado más puro: piel, textura, vida.
Artista: Maby Diana Cordero Quisbert-Bolivia
Nombre: Ajayu
Descripción: Ajayu es una serie que explora la esencia andina desde la cotidianidad y el simbolismo presentes en esta zona de Bolivia. A través de escenas y elementos tradicionales, busco reflejar una cultura viva con la que me identifico profundamente. La ausencia de color permite destacar texturas, formas y contrastes que revelan tanto la espiritualidad como la realidad social de este territorio.
Artista: Miguel Valdés Montiel- México
Nombre: La Cuna del Reino.
Descripción: Esta toma cenital del reverso de un champiñón, deja a la vista los septos, el lugar donde se producen las esporas, que son liberadas para la propagación del hongo. El reino fungi es uno de los más extensos en la naturaleza y en él se encuentran especies tan comunes como las setas comestibles, los hongos alucinógenos, levaduras y otras especies capaces de desencadenar graves enfermedades.
Artista: Patricia Cecilia luz mibr Chile
Nombre: Emociones extremas
Descripción: Emociones que traspasan cualquier límite, profundas, disolviéndose al borde de la locura. Pero tienen una gran riqueza, su luz, que las cobija, de cualquier oscuridad, con su apreciada calma y su amor de siempre.
Artista: Jose Manuel Fuentes - Chile
Nombre: Recuerdos de piedra
Descripción: El tiempo, paciente escultor, ha cincelado en la piedra los recuerdos de una ciudad. Cada grieta, cada sombra, cada rugosidad, susurra historias de días soleados y noches lluviosas.
Artista: Carolina Ramponi -Uruguay
Nombre: Lo que la sombra calla
Descripción: Hay un instante en que todo vibra, pero aún no es. La forma se disuelve, la luz se vuelve trazo. No hay centro. Solo lo que pasa, y lo que queda.
Artista: Milagros Gina Melgar Cari. Perú
Nombre: "Equilibrio”
Descripción: Cualquier luz puede revelar una parte de la naturaleza, pero la naturaleza no siempre está dispuesta a mostrar sus misterios.
Artista: Cecilia Mazurenco – Argentina
Nombre: Éfrasis pastoral
Descripción: Laberinto confusión la luz se desliza, tenue y fugaz. Danza etérea, Sin principio ni fin, después Solo después la calma.
Artista: Karina Beatriz Beltrán
Nombre: "Sigues aquí"
Descripción: Emociones que traspasan cualquier límite, profundas, disolviéndose al borde de la locura. Pero tienen una gran riqueza, su luz, que las cobija, de cualquier oscuridad, con su apreciada calma y su amor de siempre.
Querétaro: Luz que Resguarda Memoria
Fotografías de Miguel Ángel Valdés Montiel
La obra de Miguel Ángel Valdés Montiel propone un encuentro íntimo con Querétaro, una ciudad donde la historia permanece activa y la luz se convierte en el hilo conductor de su identidad. A través de seis imágenes, el fotógrafo construye un retrato que trasciende lo documental para adentrarse en una lectura poética del territorio declarado Patrimonio Cultural de la Humanidad.
Su mirada capta el diálogo constante entre tradición y contemporaneidad: calles que se iluminan como espacios de celebración, templos que elevan su presencia bajo cielos vibrantes y monumentos que, al caer la noche, revelan una nueva forma de monumentalidad. Cada escena muestra cómo el patrimonio no es un objeto estático, sino un organismo vivo que respira, se transforma y continúa siendo habitado.
Valdés Montiel trabaja con un uso preciso de la luz como elemento narrativo. La iluminación festiva, la calidez del atardecer y el brillo nocturno sobre la piedra construyen una atmósfera que invita a contemplar la ciudad desde una sensibilidad renovada. Su fotografía no busca detener el tiempo; lo interpreta, convirtiendo momentos cotidianos en instantes significativos.
La serie resalta un Querétaro que se proyecta hacia el futuro sin renunciar a la fuerza de su pasado. La arquitectura histórica, los espacios públicos y los símbolos patrimoniales se presentan como escenarios donde convergen identidad, espiritualidad y vida urbana.
Esta exposición celebra la capacidad del arte para reinterpretar los territorios que habitamos. Las imágenes de Miguel Ángel Valdés Montiel nos recuerdan que el patrimonio cultural vive en cada mirada que lo reconoce, lo honra y lo vuelve a contar.
Expuesta en Galería de Arte Patagonia, esta serie celebra el valor del patrimonio cultural como puente entre territorios, identidades y miradas que trascienden fronteras
Curaduría: Eliana S. Olea Lorenzoni
Cromatismo Urbano: Maracaibo en Colores
Fotografías de Susie Castellano
En Cromatismo Urbano: Maracaibo en Colores, la fotógrafa Susie Castellano captura el pulso visual de una ciudad que vibra entre la herencia colonial y la energía contemporánea. Su cámara se detiene frente a la arquitectura cotidiana —fachadas, puertas, ventanas—, convirtiendo lo habitual en una experiencia estética que celebra la identidad visual de Maracaibo.
Cada imagen se estructura desde una composición rigurosa y equilibrada. Castellano trabaja con encuadres frontales, que eliminan la perspectiva profunda para privilegiar la bidimensionalidad del plano. Esta decisión formal genera una sensación de orden y estabilidad, en la que los elementos arquitectónicos —marcos, rejas, cornisas y molduras— actúan como líneas de fuerza que organizan el espacio y sostienen la lectura visual.
El color se despliega como elemento constructivo y simbólico. A través de una paleta saturada de tonos primarios y secundarios, la artista articula relaciones de contraste y armonía que guían la mirada del espectador. El azul profundo dialoga con los naranjas cálidos; el rojo y el amarillo se encuentran en tensiones complementarias que evocan la intensidad tropical. Cada composición funciona como un estudio cromático de equilibrio dinámico, donde el color deja de ser decorativo para convertirse en lenguaje.
La luz natural es protagonista en esta serie. Castellano selecciona cuidadosamente las horas del día para capturar la intensidad solar que define la atmósfera del Caribe. La luz directa acentúa texturas, genera sombras nítidas y confiere tridimensionalidad a los muros. Así, cada superficie respira, revelando tanto el paso del tiempo como la vitalidad de una cultura que se expresa a través de su entorno.
Desde lo conceptual, Cromatismo Urbano invita a reflexionar sobre la resiliencia del paisaje urbano y la capacidad del color para resistir el olvido. Estas fachadas no son solo muros: son relatos visuales de identidad, pertenencia y creatividad popular. En ellas habita la memoria colectiva de una ciudad que se rehace a sí misma desde su propio color.
La serie de Susie Castellano transforma la calle en galería y el muro en lienzo. En cada imagen, la artista construye un testimonio visual de una Maracaibo que no teme al sol ni al tiempo: una ciudad que, a través del color, reafirma su fuerza, su historia y su belleza esencial.
Curaduría: Eliana Silvina Olea Lorenzoni
MOMENTOS EFIMEROS
Curaduría de la exposición Momentos Efímeros – José
La fotografía tiene la capacidad de interrumpir el curso del tiempo, de detener aquello que se nos escapa entre los dedos. En Momentos Efímeros, José dirige su mirada hacia lo transitorio, hacia esos fragmentos de vida que normalmente pasan inadvertidos, pero que, al ser capturados, se revelan con una intensidad inesperada.
Esta serie no pretende narrar una historia lineal ni describir situaciones concretas. Su fuerza radica, precisamente, en lo contrario: en señalar lo que ocurre en el cruce entre lo cotidiano y lo imperceptible. Cada imagen se convierte en una pausa, en un recordatorio de que la vida está hecha de instantes fugaces que rara vez se vuelven a repetir. La obra propone, entonces, un ejercicio de atención: mirar más allá de lo evidente, detenerse en aquello que suele quedar al margen.
La curaduría de Momentos Efímeros articula seis fotografías que dialogan entre sí como variaciones de un mismo tema: la relación del ser humano con su entorno y la condición efímera de esa interacción. Los espacios que aparecen —ya sean abiertos, arquitectónicos o urbanos— actúan como escenarios de paso, territorios donde la presencia humana se inscribe de manera momentánea, dejando apenas un rastro. En ese contraste entre lo monumental y lo frágil, lo duradero y lo instantáneo, se construye el sentido profundo de la serie.
Desde un punto de vista estético, José apuesta por una mirada minimalista y contenida. La composición depurada, el uso del espacio y la relación de las figuras con la escala del entorno refuerzan la sensación de levedad y transitoriedad. El ojo del espectador se ve invitado a recorrer la imagen con calma, a descubrir silencios, pausas y tensiones que no se perciben en la prisa del día a día.
Más que una serie de fotografías, Momentos Efímeros puede entenderse como una reflexión sobre el tiempo y la memoria. Lo que en la realidad dura apenas un segundo, aquí se transforma en permanencia. La fotografía se erige como un acto de resistencia frente al olvido, como un espacio donde lo efímero encuentra un modo de permanecer.
Con esta exposición, la galería propone un recorrido visual que no busca respuestas inmediatas, sino preguntas abiertas: ¿qué instantes dejamos pasar sin mirar?, ¿cuánta belleza habita en lo transitorio?, ¿cómo puede un gesto mínimo convertirse en memoria colectiva? La obra de José nos recuerda que el arte, al igual que la vida, se sostiene en la suma de momentos breves, en la delicada tensión entre lo que se desvanece y lo que permanece.
UMBRALES DEL SILENCIO
Ana Pobo Castañer
Curaduría: Eliana Olea Lorenzoni
En “Umbrales del Silencio”, la fotógrafa Ana Pobo Castañer nos enfrenta a un recorrido visual donde lo cotidiano se transforma en poética. A través de un lenguaje en blanco y negro, sobrio y depurado, la artista convierte fragmentos urbanos —rejas, portales, balcones, estructuras de hierro— en símbolos de lo que nos separa, nos resguarda o simplemente nos impide el paso.
Cada imagen opera como una pausa. No hay movimiento, no hay figuras humanas, pero hay presencia. Hay historia. Lo que Ana captura no es el objeto arquitectónico en sí, sino su potencial simbólico: la reja como límite, la puerta como umbral, el balcón como posibilidad de asomarse al mundo sin pertenecer del todo. Estas fotografías no pretenden documentar un lugar, sino generar un espacio de contemplación silenciosa y reflexiva.
A través de composiciones cuidadas, juegos de líneas, texturas y estructuras repetidas, Ana Pobo crea una narrativa íntima, donde la arquitectura se vuelve lenguaje emocional. La cámara no entra, no traspasa. Observa desde afuera. Esa distancia construida deliberadamente por la artista es donde habita el silencio que nombra esta exposición.
Este cuerpo de obra dialoga con temas como la memoria de los espacios, la soledad contemporánea y la barrera entre lo visible y lo inaccesible. Es una invitación a detenerse, a observar desde el borde, a permanecer en ese instante previo al cruce de un umbral que quizás nunca se abra.
En un mundo saturado de imágenes ruidosas, esta exposición propone el ejercicio contrario: mirar en voz baja.
CECILIA MAZURENCO
Abandono, Decadencia y Residuos de la Existencia Humana
La obra fotográfica de Cecilia Mazurenco construye un recorrido visual poderoso y profundamente introspectivo, en torno a tres conceptos que se entrelazan con sutileza y contundencia: abandono, decadencia y los residuos de la existencia humana. Lejos de lo anecdótico o lo puramente documental, la artista plantea una narrativa visual en la que los espacios se vuelven testigos mudos de lo que alguna vez fue, y ahora permanece en ruinas, entre sombras, grietas y silencios.
A través de una secuencia cuidadosamente seleccionada de imágenes —habitaciones deshabitadas, paredes descascaradas, objetos cotidianos sin función aparente, símbolos dibujados, figuras que transitan el umbral de lo visible—, Mazurenco nos invita a explorar las huellas de lo humano en su forma más frágil: lo que queda cuando la vida se ha ido.
La atmósfera que construyen sus fotografías es melancólica, inquietante y poética. Se percibe una constante tensión entre la luz y la sombra, entre lo que se muestra y lo que se insinúa. El uso de rayos de luz, ventanas abiertas, agujeros en las paredes o rendijas, crea aperturas visuales y metafóricas hacia una dimensión donde la memoria, la ausencia y el tiempo se condensan.
Puntos Clave de la Serie:
La habitación amarilla: símbolo de un pasado luminoso que se ha ido desmoronando con el tiempo. La luz que entra contrasta con las paredes agrietadas, generando una escena ambigua entre nostalgia y revelación.
El ojo y el agujero: dos imágenes que representan la vigilancia, el trauma y la mirada ausente o persistente de quien fue parte del lugar. Una alusión directa al encierro, la psique, lo humano degradado o fragmentado.
Interruptores, puertas y ventanas: objetos simples que, en contexto de abandono, cobran fuerza simbólica como elementos de conexión, transición o desconexión absoluta con el mundo exterior.
Figuras humanas difusas: presencias solitarias que transitan espacios vacíos. No protagonizan, sino que habitan el misterio, lo atraviesan, o se desdibujan en él, como si fueran parte del mismo deterioro que documentan.
Mazurenco transforma la desolación en un acto de contemplación, dotando a cada espacio de una historia latente, no contada, pero perceptible. Su serie fotográfica no busca respuestas, sino que formula preguntas existenciales con imágenes cargadas de simbolismo: ¿qué dejamos atrás al irnos?, ¿quién observa desde el vacío?, ¿qué se revela en el silencio de lo destruido?
Conclusión Curatorial:
Esta exposición no solo documenta espacios olvidados, sino que reflexiona sobre la condición humana, la memoria y la fragilidad del tiempo. La cámara de Mazurenco funciona como un puente entre el pasado y la ausencia, entre lo real y lo simbólico, desafiando al espectador a enfrentarse con los rastros de su propia existencia.
Una propuesta artística que permanece en la mirada mucho después de abandonar la sala.
Curaduría: Eliana S. Olea Lorenzoni
Naturaleza Revelada
La exposición Naturaleza Revelada nos invita a descubrir una mirada íntima y paciente sobre el mundo animal, tal como lo percibe el lente de Christian Crecente González. Cada imagen de esta muestra es fruto de la observación constante, la espera silenciosa y, muchas veces, de múltiples regresos al mismo lugar para captar el instante preciso.
Entre las obras destaca una imagen cargada de curiosidad natural: una suricata que, al no encontrarse en su hábitat habitual, construye un túnel junto al área donde viven los puercoespines. Un tronco cercano le permite espiar discretamente el entorno, como si explorara nuevas posibilidades. En otra fotografía, dos monos del Peñón de Gibraltar se abrazan, en un gesto sorprendentemente humano, como si uno consolara al otro tras una trifulca reciente. La escena transmite una sensibilidad inesperada y un fuerte vínculo emocional entre los animales.
La muestra también incluye el retrato de una serpiente en cautiverio, en el serpentario de Fuengirola. El fotógrafo aguardó pacientemente ese segundo en que el animal, consciente de la cámara, saca la lengua en un gesto instintivo que revela toda su esencia.
Christian nos recuerda que la naturaleza no se revela fácilmente. La mayoría de sus fotografías no fueron fruto de un primer intento: debió regresar más de una vez, como ocurrió en el Torcal para retratar a las cabras montesas. Solo en su segunda visita, con tiempo y silencio, logró acercarse lo suficiente para capturar su presencia majestuosa.
Una de las escenas más conmovedoras es la de una mantis religiosa que encontró aparentemente ahogada. En un intento por salvarla, la colocó al sol y recorrió varios kilómetros para darle una oportunidad. Esa imagen no solo revela la fragilidad del insecto, sino también la compasión del fotógrafo.
Naturaleza Revelada es un testimonio de respeto, admiración y conexión con el entorno natural. No es solo una colección de imágenes bellas, sino un diálogo visual que nos interpela: ¿estamos dispuestos a mirar, esperar y entender lo que la naturaleza quiere mostrarnos?
Comisaria por Eliana S. Olea Lorenzoni
Christian Crecente González
Daniela Beraldi
“Miradas cruzadas”
Entre los espacios abiertos del campo y las geometrías silenciosas de la ciudad, Daniela Beraldi traza un recorrido visual que trasciende la superficie de los lugares. En “Miradas cruzadas”, seis fotografías —tres urbanas, tres rurales— se enfrentan y se conectan, proponiendo una lectura pausada del territorio y sus huellas.
Las escenas urbanas no muestran el bullicio ni el tránsito, sino que capturan una ciudad detenida, despojada de presencia humana, donde la fuerza de la luz, y la estructura cobran protagonismo. En contraste, las imágenes rurales abren el plano hacia lo natural y lo orgánico, donde la tierra, la vegetación y las construcciones sencillas sugieren un modo distinto de habitar el espacio.
Beraldi no busca confrontar ambos mundos, sino cruzarlos desde la mirada. Elige resaltar la forma, la luz y la textura como lenguaje común. Así, cada imagen se convierte en un gesto de observación profunda, donde lo urbano y lo rural se revelan como dos caras de una misma reflexión sobre el entorno y la memoria del lugar.
“Miradas cruzadas” es una invitación a mirar sin prisa, a leer el paisaje como un archivo silencioso que guarda signos de lo vivido, incluso en la ausencia. Una serie breve, pero precisa, donde la fotógrafa nos recuerda que a veces, el verdadero movimiento está en la quietud.
Comisariado: Eliana S. Olea Lorenzoni
"VIPY" VIRGINIA GOMEZ
"Instantes Urbanos"
La ciudad respira, se mueve, observa y calla. En Instantes Urbanos, la fotógrafa Vipy Gómez detiene el tiempo para revelarnos la belleza inadvertida del entorno urbano.
A través de seis fotografías en blanco y negro, esta serie explora momentos efímeros que suceden en medio del bullicio: un gesto suspendido, una sombra que se desliza, la arquitectura dialogando con la humanidad que la habita.
El blanco y negro, lejos de ser un recurso nostálgico, aquí se convierte en lenguaje visual que acentúa la emoción, la luz y el silencio de cada escena. Gómez encuentra poesía en lo cotidiano, y nos invita a mirar la ciudad con una nueva profundidad.
Instantes Urbanos no solo documenta espacios, sino que transforma la experiencia urbana en una narrativa íntima y visualmente poderosa.
Comisariado Eliana S. Olea Lorenzoni
Alejandra Puga
"Percepciones del pasado"
La fotógrafa Alejandra Puga presenta en Galería Patagonia su serie Percepciones del pasado, compuesta por seis imágenes en blanco y negro que retratan a mujeres desde una mirada poética e introspectiva.
Con una sensibilidad particular, Puga indaga en las capas emocionales y simbólicas de lo femenino, capturando instantes suspendidos entre la realidad y la evocación. Cada fotografía es un umbral hacia la intimidad, donde los gestos, las sombras y las texturas construyen una narrativa visual cargada de matices.
El blanco y negro no solo unifica la serie bajo una estética sobria y atemporal, sino que potencia el silencio visual necesario para que aflore lo esencial: la percepción del cuerpo, la identidad, la memoria emocional.
Percepciones del pasado no busca hablar de lo que fue, sino de lo que permanece: esa huella intangible que habita en cada mujer y que Puga revela con sutileza y respeto.
Comisariado: Eliana S. Olea Lorenzoni
Exploraciones Surrealistas en Fotografía
La Galería Patagonia tiene el placer de presentar la obra de José Manuel Fuentes Bermudes, un fotógrafo cuya trayectoria se ha desarrollado en la experimentación con la luz, la composición y la narrativa visual. Formado en el curso "Dibujando con la Luz" bajo la tutela de Juanjo Gallardo, Fuentes ha llevado su exploración artística más allá de la técnica, adentrándose en el terreno del surrealismo fotográfico.
Su trabajo combina la fotografía urbana, el retrato y la construcción escenográfica, fusionando realidad e imaginación en imágenes que desafían la percepción y evocan múltiples interpretaciones. La serie presentada en esta exposición nos invita a cuestionar la identidad, la fragmentación del ser y la dualidad entre lo visible y lo oculto.
Cada imagen es una construcción meticulosa donde el artista juega con las formas, los volúmenes y las sombras para crear una atmósfera onírica. A través de estas obras, Fuentes nos sumerge en un universo donde lo cotidiano se transforma en un enigma visual, demostrando su habilidad para dirigir no solo la cámara, sino también la puesta en escena y la conceptualización de cada pieza.
Esta muestra es una invitación a adentrarse en la mente del artista y descubrir nuevas perspectivas en el arte fotográfico contemporáneo.
Comisariado: Eliana S. Olea Lorezoni
José Manuel Fuentes Bermudes
5to Elemento
Cecilia Mazurenco
Graciela Pérez
Teresa Lorenzoni
Sergio López Olivieri
Federico Eiras
Omar Maraury
La fotografía es un reflejo del mundo que nos rodea, una interpretación visual de la naturaleza y sus fuerzas. 5to Elemento es una exposición itinerante que reúne a seis fotógrafos argentinos: Cecilia Mazurenco, Graciela Pérez, Teresa Lorenzoni, Sergio López Olivieri, Federico Eiras y Omar Maraury. A través de sus lentes, exploran los cuatro elementos fundamentales —agua, fuego, aire y tierra— y revelan su influencia en nuestra percepción y emociones.
Pero hay un elemento más, intangible y esencial: el artista. En cada imagen, la mirada del creador se convierte en el quinto elemento, el vínculo que da vida a la obra y conecta con el espectador. Esta exposición invita a descubrir la naturaleza desde una perspectiva única, donde la sensibilidad y la creatividad transforman lo cotidiano en arte.
Curadora/ comisaria de arte Eliana S. Olea Lorenzoni
Yaroslav Belonógov
Arte en conexión con la naturaleza
Desde la profundidad de Rusia hasta la costa de Cataluña, Yaroslav Belonógov ha trazado un camino artístico marcado por su amor por la naturaleza. Formado en las bellas artes clásicas, su habilidad y técnica lo han llevado a especializarse en la pintura en acuarela, un medio que utiliza con maestría para capturar la pureza, la armonía y la belleza primigenia de los paisajes naturales.
Residente en Blanes desde 2011, Yaroslav encuentra en la pintoresca Costa Brava una fuente inagotable de inspiración. Sus obras, delicadas y llenas de luz, reflejan no solo el entorno que lo rodea, sino también su filosofía de vida: “Cuanto más cerca estamos de la naturaleza, más puros nos volvemos por dentro y por fuera.”
Además de su especialización en acuarela, Yaroslav domina las técnicas de óleo y acrílico, lo que enriquece la diversidad y expresividad de su obra. Sus creaciones han cruzado fronteras, formando parte de prestigiosas colecciones privadas en Alemania, Francia y Estados Unidos, conquistando a espectadores con su capacidad para transmitir tranquilidad, calidez y conexión.
En esta exposición, Galería Patagonia se enorgullece de presentar el trabajo de un artista que transforma la naturaleza en arte, invitándonos a detenernos, respirar y redescubrir la belleza del mundo que nos rodea. Las acuarelas de Yaroslav Belonógov no solo son un deleite visual, sino también un refugio emocional que purifica el alma y llena el corazón de paz.
Déjate envolver por la energía positiva de sus obras y vive la experiencia única de contemplar el arte inspirado en la naturaleza.
Comisariado: Eliana S. Olea Lorenzoni
Neus Brunet
La Galería Patagonia se enorgullece de presentar la obra de Neus Brunet, una destacada artista del realismo contemporáneo que, a través de su impecable técnica y profunda sensibilidad, nos invita a redescubrir la belleza en lo cotidiano.
Neus Brunet, nacida y formada en Cataluña, se ha consolidado como una de las referentes actuales del arte realista en España. Su obra captura la esencia de lo simple con una precisión que desafía la percepción, transportando al espectador a un diálogo íntimo con los objetos, los paisajes y las emociones que retrata.
En esta exposición, Brunet nos ofrece un recorrido visual por su universo artístico, donde los detalles cobran vida y revelan historias escondidas. Su dominio de la luz y las texturas logra transmitir no solo la apariencia, sino también la atmósfera emocional de cada escena representada. Bodegones que evocan calma y reflexión, la exposición promete ser un deleite para los amantes del arte figurativo.
La Galería Patagonia invita al público a sumergirse en este encuentro con la realidad reinterpretada por la mirada única de Neus Brunet.
"Materia" Exposición de Cristina Rommel en la Galería de Arte Patagonia
La Galería de Arte Patagonia presenta "Materia", donde Cristina Rommel expone su universo escultórico en diálogo con lo humano. Esta muestra reúne sus obras más reconocidas y su reciente serie, Pecados Capitales, una interpretación profunda de las emociones y deseos que nos definen.
A través de materiales como el metal, la piedra y la madera, Rommel da forma a conceptos universales: soberbia, avaricia, lujuria y más, capturando la esencia de cada pecado con una fuerza plástica que confronta y cautiva.
En Materia, la artista transforma lo tangible en símbolo, creando piezas que reflejan nuestra dualidad y humanidad. Una exposición que invita a explorar el vínculo entre lo material y lo espiritual, en una experiencia única.
Cristina Rommel
Néstor Martin
Exposición de dibujo digital
